Les incontournables

Pluie à Belle-Ile

• • Claude Monet
• • 1886
• • Huile sur toile, don de Michel Monet en 1927 (don des amis de Gustave Geffroy)
• •I nv. 512

"Pour me désennuyer j’ai peint un effet de pluie, une pochade" (9 octobre, lettre à Alice Hoschédé).

Pluie à Belle-Ile est une des 39 toiles recensées peintes à Belle-Ile-en-Mer par Claude Monet lors de son unique séjour sur l’île de la côte sud de la Bretagne, en septembre 1886. A ce moment de sa carrière, toujours fidèle à l’impressionnisme, il recherche de nouveaux paysages, naturels, sans activités humaines, auxquels il souhaite confronter la technique impressionniste. Pluie à Belle-Ile, dans cette série, est isolée. Un jour où le peintre, lassé par l’incessante tempête a choisi un point de vue à l’abri, l’un des rares regards vers l’intérieur, vers la lande belliloise peuplée au loin de quelques maisons.

Un grain

• • Eugène Boudin
• • 1886
• • Huile sur toile, dépôt de l’Etat avec l’aide du Fonds National d’Art Contemporain
• • Inv. 2011.6.1

Eugène Boudin présente ce tableau de grand format, au Salon de 1886. C’est une marine dans l’esprit de la tradition de la peinture hollandaise du 17e siècle. Les nécessités matérielles l’obligent à se plier aux exigences du marché. Dans une lettre envoyée au peintre Henry Van de Velde, le 17 novembre 1890, il écrit « La marine-trop de marine m’… et l’on ne veut que ça »*. Eugène Boudin est un peintre indépendant, il n’aime pas les contraintes mais il s’y plie, connaissant les attentes du jury et du public du Salon et il choisit malgré tout de peindre une marine. 

* Eugène Boudin, Journal, 23 février 1856, Musée du Louvre

Vénus et Adonis

• • Giovanni-Francesco Romanelli (Viterbe, 1610 - 1662)
• • 1645-1647
• • Huile sur toile Dépôt du Louvre en 1895
• • 2011.2.1

Romanelli commence très jeune à Rome une belle carrière en participant avec Pierre de Cortone, son maître (1596-1669) à la création du plafond du Palais Barberini, une des fresques majeures de la peinture baroque italienne. Il peint en France de nombreux tableaux de chevalet qui contribuèrent également à diffuser son style ample et décanté, ses constructions claires, son coloris vif et le moelleux de son pinceau.

Peint vraisemblablement lors de son premier séjour en France, autour de 1645-1647, il reprend un thème qui lui est cher Vénus et Adonis. Le tableau reflète bien cette synthèse du style italien baroque et du style empreint de classicisme qui règne alors à Paris.

Portrait de la mère Grégoire ou Madame Andler

• • Gustave Courbet (1824 -1898)
• • Huile sur carton
• • 1867
• • Achat, 1892, inv. 426

Cette étude de femme, visage de profil, souriant, est sans doute une reprise, en 1867 (*) du célèbre portrait du Art Institute of Chigago, vraisemblablement peint par Courbet en 1855 (**).

Dans le tableau de Morlaix, seule la tête est reprise sur un fond très sombre mettant en valeur la carnation dorée du visage et le col blanc de la robe également sombre. Plusieurs interprétations et des hypothèses divergentes subsistent sur l’identité du personnage, ce qui explique le double titre : Madame Andler, tenancière d’une brasserie où se réunissent Courbet et ses amis adeptes du réalisme ou la mère Grégoire, cabaretière, héroïne d’une chanson de Béranger. Toute la subtilité de ce portrait réside dans les dégradés des valeurs sombres, le rendu des modelés et l’éclat du visage. Peinture d’une grande modernité mais dans une évidente filiation avec la peinture flamande en particulier par la chaleur de son chromatisme.

(*)Signé et daté en bas à gauche “  Courbet, 1867 ”,

• (**) La mère Grégoire, 1855, H 1.28 ; L 0.97 m. Chicago, the Art Institute

La fin du célibataire

• • Louis-Marie Baader (1828 – 1920)
• • 1890
• • Huile sur toile
• • Inv. 386
• • Don en 1890

Louis-Marie Baader naît à Lannion. Sa famille s’installe très tôt à Morlaix où il fait ses études. Son père est compositeur et professeur de musique, son frère Auguste, sculpteur, habite la Maison dite de la Duchesse Anne. Dans ce milieu familial favorable, il travaille la lithographie, la gravure sur bois puis aborde la peinture à l’huile. En 1851 il s’inscrit à l’Ecole des beaux-arts de Paris où il suit les cours de l’atelier d’Yvon, peintre de batailles. En 1857, à 29 ans il est admis au Salon des artistes français où il exposera jusqu’en 1914. Il a peint des scènes historiques, mythologiques mais aussi des scènes anecdotiques et beaucoup de portraits. Son classicisme entre dans le courant académique à la mode de son temps. Il est sourd aux modernités et aux avant-gardes qui éclosent à la même époque.

Ses œuvres sont acquises par l’Etat, le musée d’Orsay, des musées internationaux et les musées des Beaux-arts de Rennes, Quimper ou Grenoble. Le musée des Jacobins possède 12 peintures dont la plus célèbre La mort du célibataire, est un format monumental. Ce tableau témoigne de l’intérêt, à la fin du 19^e siècle, pour l’anecdote et le fait divers.

L'Ankou

• • 17^e siècle
• • Statue en bois
• • Provient de l'église St Mathieu de Morlaix.
• • Déposé depuis 1962 au Musée
• • Inv. n° 1061

Personnage médiéval, l'Ankou est la personnification de la mort en Basse-Bretagne. Il la précède et l'annonce. La légende raconte que le dernier mort de l'année, dans chaque paroisse, devient l'Ankou de cette paroisse pour l'année suivante. Il se déplace la nuit, avec un attelage, une charrette dont les grincements annoncent son passage. Parfois décrit comme un homme très grand et très maigre, les cheveux longs et blancs, la figure caché par un large feutre, l'Ankou est le plus souvent représenté par un squelette drapé d'un linceul.

L'Ankou conservé aujourd’hui par le musée des Jacobins se trouvait dans l'église Saint-Mathieu. Sur les quatorze représentations de l'Ankou qui subsistent en Bretagne, celle de Morlaix et de Ploumilliau, sont les plus anciennes. L'on a pensé un moment que l'Ankou pouvait être l'œuvre d'un certain Berthoulous, sculpteur et peintre à Morlaix, car une quittance du 17 janvier 1648 de la fabrique de l'église Saint-Mathieu parle d'une « « quarquase de mort en bois pour la faire mouler en plomb et pour la peindre », mais cette attribution n'a jamais été confirmée.

Sarcophage égyptien

• • Egypte, XXIIè dynastie
• • Bois, textile, polychromie
• • Don de l’officier d’artillerie M.A. Alphen entre 1887 – 1896
• • Inv. 2

Le musée possède un ensemble de sarcophages. Deux cercueils égyptiens antiques offerts à la fin du XIXe siècle par M. Alphen. On ne connaît pas la date exacte d’entrée de ces pièces au musée, mais ce serait, d’après les premières notices de la collection, entre 1887 et 1896. Il s’agit de deux cercueils anthropoïdes d’époque tardive.

Ce sarcophage est le réceptacle intérieur qui abrite la momie, dont il épouse d’ailleurs les formes. Sa décoration reprend plusieurs étapes du voyage du défunt et de sa préparation. A ce titre, de nombreuses divinités funéraires apparaissent. Il faut remarquer en particulier la scène centrale, le jugement, où l’âme du défunt est éprouvée sur une balance occupée, quant à l’autre plateau, par la plume de la justice. Ce sarcophage appartient à un certain HOR-NAKHT, notable inconnu. Il daterait, tout comme le précédent qui est peut-être son complémentaire, d’environ 900 av J.C. (XXIIe Dynastie). Cette époque très tardive voit le mélange des styles des précédentes.

Vase à décor gravé, dit de Saint-Pol-de-Léon,

• • Urne cinéraire ( ?)
• • 1ère moitié du 4^e siècle avant notre ère
• • Céramique noire lustrée, décor gravé et estampé (ocelles)
• • Découvert en 1882 par M. de Coatgoureden dans un tumulus situé dans sa propriété, près de Saint-Pol-de-Léon.
• • Inv. 127

Le vase de Saint-Pol-de-Léon, en constitue la pièce majeure, reconnue sur le plan européen comme l’une des plus belles oeuvres céramiques de l’art celtique. Il s’agit d’une probable urne cinéraire, découverte lors de circonstances mal déterminées dans un tumulus situé dans la propriété de M. Coatgoureden « aux issues de la commune de Saint-Pol ». Le décor se développe sur toute la hauteur du vase et sur le fonds.

Ce vase exceptionnel appartient à une série de très beaux récipients armoricains, décorés dans un style dit « libre ». Ce style, qui apparaît dans la première moitié du 4^e siècle avant notre ère, trouve de nombreuses correspondances avec le « premier style continu » de la fin du Vème et du début du 4^e siècle, et certaines productions métalliques de la seconde moitié du 4^e siècles connus dans l’Est de la France.

Le vase de Saint-Pol est l’objet le plus significatif de la collection de la Société d’études scientifiques du Finistère qui est elle-même à l’origine de la création du musée en 1887.

Spoerri Daniel

• • 1930-2024
• • Pharmacie bretonne ou Fontaines sacrées revisitées
•  • 1983
• • Vitrine comportant 117 flacons provenant d’autant de fontaines sacrées bretonnes ; Bois, verre, eau, papier, bouchons, cire
• • Achat, 1985
• • Inv.985.18.1

A travers son œuvre la pharmacie bretonne, la démarche de Daniel Spoerri relève essentiellement de l’ethnographie : c’est l’Inventaire des bienfaits des sources qui l’inspire et non pas l’inventaire des fontaines elles-mêmes. L’ouvrage Rituel de guérison et sources bretonnes en constitue la partie explicative tandis que l’œuvre principale c’est l’œuvre matérielle, c’est à dire la réunion dans une structure en bois de flacons contenant les eaux miraculeuses.

Daniel Spoerri ne se veut pas exhaustif. Il ne prend en compte que les fontaines découvertes au cours de quatre campagnes d’investigation.

Ainsi donc, si les objectifs de son travail en sont à priori éloignés, sa démarche, en revanche, peut-être rapprochée de celle de l’Inventaire. Documentation préalable à l’enquête, observation in situ ; prise de notes et de photographies ; organisation du propos en une collection de notices dont le numéro renvoie à celui du flacon, forment l’indissociable partie d’une œuvre qui s’attache essentiellement à recueillir des témoignages et à effectuer des prélèvements d’eaux de fontaines miraculeuses.

Extrait d’un texte d’Odile Canneva-Tétu, Conservateur régional de l'Inventaire